ARTandYou.ru - История искусства - 5 самых известных "пустых" выставок.
Опубликовано: 01.09.2018
Идея пустой галереи - крайняя точка, дальше которой вряд ли можно пойти. Первопроходцем здесь, конечно же, можно считать Марселя Дюшана, т.к. именно он первый начал осмыслять какую роль играет музей или галерея в том, что начинается считаться «искусством». Он гораздо раньше Кляйна создавал свои пустые проекты, как например в 1919 году, «Воздух Парижа» - стеклянная ампула, в которой исходя из названия находился тот самый воздух, ну а нам самом деле, конечно, она была пустая.
Нельзя не вспомнить Казимира Малевича, чьи супрематические работы, такие как «Черный квадрат» или серия «Белое на белом» (1915) также рефлексировали на тему конца картины в традиционном понимании.
Но если эти работы еще можно было разместить у себя в гостиной, то пустые выставки, последующие после этого и вовсе нет.
Топ 5 пустых выставок:
№1 Ив Кляйн: «Вакуум». The Galerie Iris Clert Париж. 1958-й год.
Кляйн приурочил выставку в галерее the Galerie Iris Clert на Rue des Beaux-Arts к своему 30-летию (28 апреля). Будучи мастером пиара и эпатажа, блястящим шоу-меном, он вместе с владелицей галереи, гречанкой Ирис Клерт распиарил данную выставку как настоящее открытие, большое событие. Было создано и разослано 3500 пригласительных, на которых художник поставил свою марку (нелегально) выкрашенную в Кляйновский синий цвет .
Yves Klein Blue
Те у кого не было пригласительных, должны были заплатить 1,500 франков за вход. Когда гости начали стягиваться к галерее, снаружи они увидели, что витражные окна галереи были зашторены также фирменным голубым цветом, так что не возможно было увидеть, что находится внутри. Центральный вход был закрыт и заходить предлагалось через черный выход, находившийся на задах здания, где гости сталкивались с двумя военными республиканской армии, в полном обмундировании, которые предлагали гостям коктейль синего цвета из джина и куантро. Затем небольшими группами их проводили в галерею.
И что бы вы думали они там видели? Зал свежеокрашенный в белый цвет, с серым ковролином на полу. Кляйн полностью освободил пространство галереи, оставив лишь одну пустую стеклянную витрину, выкрашенную в белый цвет и белую занавеску над служебным входом. И все, только лишь эхо, призрак искусства, отсутствующее искусство.
На улице толпились несколько тысяч человек, ожидавших входа в галерею. При том, что после 10 вечера собрания более нескольких тысяч людей по закону должны были быть разогнаны полицией или пожарной охраной.
Тем не менее вечер имел большой успех, если не считать отказа властей осветить обелиск на Площади Согласия в синий цвет. Выставку посещало около 200 человек в день, и она была продлена с изначально запланированных 8 дней еще на неделю.
В 1960-м году во время своей ретпроспективы в музее the Haus Lange in Krefeld в Германии Кляйн также выкрасил пустую комнату в белый цвет, но еще осветив неоновыми трубками. В этом виде эта комната существует до сих пор.
С кураторской точки зрения были подняты серьезные вопросы:
Есть ли у выставки границы? Что понимается под художественной выставкой? Какую роль играет «коробка» в которую выставка обрамлена – галерея или музей? И какую роль играют посетители, могут ли они сами продолжить выставку? До какой степени можно успешно воссоздавать эфемерные события?
Кляйн не говорил о том, что сама пустая галерея является произведением искусства, но сама ее пустота и атмосфера, которые он обвинял в сфабрикованности.
Кляйн также перевел акцент с того, что и как изображено на картине, на то, кто ее создал, на личность художника.
№2 Art & Language: The Air Conditioning Show, The Visual Arts Gallery, New York, 1972
Вопреки тому, что может показаться из названия на первый взгляд, под кондиционированием не подразумевалось ни театральных порывов воздуха, ни создания жары или холода, которые могли бы вызвать эмоциональный отклик у посетителей. Наоборот, воздух в галереи был комнатной температуры, которая была непримечательной, ничем не заметной, обычной настолько, насколько это возможно. Так и пространство галереи было нейтральным, абсолютно непримечательным.
Выставка была задумана как критика устоявшейся системы художественных выставок и их экономических, социальных и культурных последствий, оккупации галерейного пространства, навязывающего свои правила художникам и зрителям.
Первоначально идея принадлежала британским художникам Терри Аткинсону и Майклу Болдуину основателям концептуальной арт-группы Art & Language, но кондиционирования воздуха в Англии тогда повсеместно не было, и выставка увидела свет лишь 6 лет спустя в Нью-Йорке.
Архетипическим образом искусства 20-го века более, чем любая отдельная картина, стало идеально белое пространство. Идеология белого куба. Читать далее.
№ 3 Robert Irwin: Experimental Situation, Ace Gallery, Los Angeles, 1970.
В 50-е годы художник Роберт Ирвин работал в технике абстрактного экспрессионизма, но в последующие годы его творчество становится все более радикальным, и в 1972 он полностью отказывается от картины как предмета искусства. Экспериментальная ситуация стала поворотной точкой его карьеры. Как пояснялось в пригласительном на выставку «пространство галереи будет пустым в течение одного месяца (октября), пока художник Роберт Ирвин будет приходить туда каждый день и обдумывать возможности представления искусства в пространстве». Посетители в это время допускались внутрь и по словам директора галереи Дагласа Крисмаса многие пытались внести в пространство новые качества (важный элемент работы Ирвина в последние годы) и предлагать как можно его использовать. Иными словами это была форма концептуального искусства, заставляющего людей думать о свете, пространстве, восприятии и границах искусства как такового. Возможно одним из результатов этого опыта для Ирвина стала выставка в той же галерее Scrim Piece (1971), когда он сделал свои первые работы из полиэфирной ткани.
№ 4 Bethan Huws: Haus Esters Piece, Museum Haus Esters, Krefeld, Germany, 1993.
Местом для выставки стала пара вил, построенных в стиле модерн архитектором Миесом Ван дер Рохом в 1928–30, которые в дальнейшем были отданы под галерею. Когда художница впервые увидела эти дома, она настолько впечатлилась их красотой, что решила оставить их под свою выставку пустыми, рассматривая это как рэди-мэйд и произведение искусства само в себе, самодостаточное не требующее ничего сверх. Однако в качестве сопровождения своей выставки она подготовила текст, состоявший из набора слов – наречий, местоимений, предлогов, склонений глагола «быть» и т.д. – выдержки из разговора со своим партнером Тьери Гаучем, но которые сами по себе ничего не значили. Между тем художница утверждает, что ее выставка не в коем случае не вдохновлена Ивом Кляйном, так как ей не близки его философия и мистификации. Она также сказала, что выставка оставила ее опустошенной и неуверенной в себе. И ближайшие 5 лет она ничего не создавала.
№5 Maria Eichhorn: Money at the Kunsthalle Bern, Kunsthalle Bern, Switzerland, 2001.
Выставка Марии Айххорн в Кунстхалле города Берна в Швейцарии была одновременно привлечением внимания к финансированию музея и примером реальных действий: художница решила потратить бюджет выделенный для ее выставки на долгожданный ремонт музея, который в свою очередь оставался абсолютно пустым на время ее выставки. Таким способом художница обратила внимание на то, чего обычно публика не видит, а именно наотправную точку художника перед созданием выставки – пустую галерею. Ее выставка также была продлена за пределы отведенного ей времени ввиду обновления здания. Точный список ремонтных работ, сделанных на ее средства был в открытом доступе, как и стоимость, имя подрядчика указанные на приглашении, афише выставки и на обложке выставочного каталога. Сам каталог включал в себя историю музея с уклоном на его финансирование в последние годы. Это включало фонд развития музея, выпуск сертификатов участников, художница также выпустила дополнительные сертификаты поддержки музея для привлечения средств в фонд музея. Ее действия могут быть оцененны в равной степени как благотворительность и как художественный жест, как искусство. Фактическое наследие ее выставки для музея по ее словам двойственно: исследование, которое она провела и опубликовала в каталоге показали длинную историю бесхозяйственности - деньги, предоставленные на ремонт неоднократно использовались для других целей, а музей потерял доходы с продаваемых билетов во время выставки, так как на выставку почти никто не пришел. А само событие вызвало изрядное количество негативных откликов.